Fotografie wolumetryczne i płaskie. Obrazy wolumetryczne

Dziś znajdziesz lekcję, z której nauczysz się robić Efekt zdjęcia 3D. Ten efekt jest również nazywany poza ramą(szkielet, ekran itp.). Zacznijmy.

Krok 1.Ładowanie oryginalnego zdjęcia do edytora graficznego

Krok 2 Z narzędziem „Swobodniejszy wybór” zakreślamy obszar, który wyjdziemy poza granicę kadru (ramka, ekran itp.)

Krok 3 Wyklucz z wyboru obszar wewnętrzny. Aby to zrobić, przełącz tryb „Bezpłatny przydział” na "Odejmij od bieżącego" i okrąż wewnętrzny obszar między ramionami.

Krok 4 Zastosujmy trochę wtapiania do zaznaczonego obszaru, aby nieco zmiękczyć krawędzie zaznaczenia. Aby to zrobić, przejdź do menu "Wybierz - Pióro". Pozostawiając ustawienia domyślne, kliknij OK.

Krok 5 Dodaj nową przezroczystą warstwę i skopiuj na nią bieżące zaznaczenie. Struktura warstw wygląda teraz tak:

Krok 6 Teraz naszym zadaniem jest narysowanie ramy, z której wyłoni się nasz obiekt. Aby to zrobić, weź narzędzie „Wybór prostokątny” i narysuj wybór widoku.

Krok 7 Z narzędziem "Perspektywiczny" zmodyfikuj ramkę, jak na zrzucie ekranu. Nie zapomnij zmienić trybu narzędzia Perspektywa na "Izolacja"

Krok 8 Dodaj nową przezroczystą warstwę na samej górze stosu warstw i pomaluj ją na biało.

Krok 9 Dodaj kolejną nową przezroczystą warstwę i umieść ją przed oryginalnym obrazem. Teraz odwróć zaznaczenie ( "Wybierz - Odwróć") i pomaluj tę warstwę na czarno.

Krok 10 Odwróć zaznaczenie i wróć do warstwy z ramką. Następnie zmniejsz zaznaczenie o 15 pikseli w menu Wybierz - Zmniejsz. Naciśnij „DEL” na klawiaturze, aby usunąć wewnętrzną część zaznaczenia. Usuń zaznaczenie przez "Wybierz - Usuń".

Krok 11 Z narzędziem "Gumka do mazania" usuń część ramki, która zachodzi na obiekt. Tutaj:

Opcjonalny krok. Poprzez menu „Filtry - Światło i cień - Rzuć cień” dodaj cień do warstwy ramki. Nie dotykamy ustawień filtra. Następnie przejdź do warstwy tła, napraw kanał alfa i pomaluj bieżącą warstwę na biało.

PS Jak mogłeś zauważyć (a może nie), na obrazie pozostał mały artefakt - cienka linia (zarówno w lekcji tekstowej, jak i wideo). Aby go usunąć, musisz przejść do warstwy z czarnym tłem. A następnie delikatnie wymaż gumką.

Samouczek wideo - efekt zdjęcia 3D w GIMP

Kolejna lekcja...

Doskonałe panoramy i 360-stopniowe zdjęcia 360-stopniowe można robić nawet zwykłym smartfonem. Wystarczy zainstalować specjalną aplikację i postępować zgodnie z naszymi radami.

Google Street View: aplikacja do zdjęć 3D

Dzięki bezpłatnej aplikacji Google Street View na Androida i iOS możesz tworzyć prawdziwe panoramy 360 stopni.

• Po zainstalowaniu aplikacji kliknij pomarańczową ikonę aparatu w prawym dolnym rogu. Tutaj możesz wybrać, czy chcesz połączyć aplikację z profesjonalnym aparatem panoramicznym 360 stopni, zaimportować zdjęcie 360 ​​stopni lub użyć aparatu w telefonie.
• Aby zrobić trójwymiarowy obraz, będziesz musiał kilkakrotnie obrócić się wokół jego osi, trzymając telefon pod różnymi kątami. Najważniejsze - upewnij się, że nie czujesz zawrotów głowy.
• Podczas robienia panoramy aplikacja wyświetla pomarańczowe kropki, na które należy skierować aparat.
• Po zrobieniu zdjęcia odczekaj chwilę, aż aplikacja je zarejestruje.

Sekrety Androida i iOS: co potrafi aplikacja Aparat

Jeśli nie chcesz instalować aplikacji Google Street View, użyj standardowej aplikacji Aparat dostępnej na dowolnym smartfonie z systemem Android lub iOS. Standardowa aplikacja nie pozwoli na zrobienie prawdziwego 360 stopni, ponieważ takie ujęcie nie obejmuje w kadrze obszarów ziemi i nieba, ale i tak wynik może okazać się całkiem przyzwoity:

• Otwórz aplikację Aparat i wybierz tryb Panorama. Po rozpoczęciu fotografowania na ekranie smartfona pojawi się linia, po której należy przesunąć urządzenie.
• Aby zrobić zdjęcie z delikatnymi przejściami, powoli obracaj się wokół własnej osi.

Jak stworzyć idealną panoramę?

Aby mieć pewność, że zawsze uzyskasz doskonałe zdjęcia panoramiczne, nie zapomnij o dwóch ważne czynniki:

• Rób zdjęcia w spokojnym otoczeniu: najlepiej, jeśli w kadrze nie ma poruszających się ludzi ani samochodów.
• Twórz ujęcia panoramiczne w równych warunkach oświetleniowych, aby uniknąć ostrych przejść na gotowym zdjęciu.

Fotoplastikon lub Panorama Cesarska

Greckie stereo oznacza „cielesny”, „pojemny”. Dźwięk przestrzenny jest obecnie akceptowanym standardem, ale fotografia stereofoniczna (lub fotografia 3D) pozostaje dla wielu dziwaczna. Ale na próżno, ponieważ pozwala uchwycić rzeczywistość w podobny sposób, w jaki widzi ją człowiek.

Fotografia tradycyjna wypracowała poważny arsenał technicznych i artystycznych środków przekazu objętości: głębię ostrości, ogniskową optyki, perspektywę, wzór cieni i kompozycję. Mózg człowieka może uzyskać informacje o przestrzeni z treści płaskiego obrazu. Ale zwykła fotografia nie jest w stanie przekazać objętości bezpośrednio w sposób, w jaki człowiek ją postrzega.

Objętość, głębia obrazu jest sprawą subiektywną, ponieważ ograniczają nas zmysły. Osie ludzkich oczu przecinają się pod pewnym kątem w punkcie, do którego kieruje nasz wzrok. Okazuje się, że para płaskich obrazów, w których występuje przesunięcie widocznej przestrzeni (paralaksa). W wyniku połączenia tych obrazów w umyśle pojawia się trójwymiarowy obraz. Dostrzeganie głośności pozwala na odległość między dwoma punktami (na przykład oczami), zwanymi bazą stereo. Odległość można zmienić za pomocą środków technicznych (na przykład lornetki stereo lub dalmierz artyleryjski). Wraz ze wzrostem bazy stereo zmniejsza się głębia ostrości i zwiększa się ostrość widzenia.

Fotografia stereofoniczna to metoda fotografowania, w której aparat ma dwoje „oczu” zamiast jednego. To nie muszą być soczewki. Wynik jest ważny - klatki na kliszy z niezbędnym przesunięciem podstawy. Fotografia stereofoniczna nie tworzy trójwymiarowego obrazu w rzeczywistości, ale pozwala na sprytne zastąpienie przestrzeni realnej specjalnie wykonanym i przygotowanym zdjęciem.

Zdolność fotografii 3D do oddania złożonej struktury przedstawianego obiektu jest szczególnie cenna w gatunkach „technicznych”, takich jak fotografowanie architektury, krajobrazy naturalne i miejskie oraz makro. Wykorzystanie fotografii stereoskopowej do celów artystycznych zapewnia zupełnie nowe narzędzia twórcze.

Historia fotografii stereofonicznej

W 280 rpne. mi. Euclid po raz pierwszy odkrył, że percepcję głębi uzyskuje się właśnie dlatego, że każde oko widzi nieco inne obrazy tego samego obiektu. Idąc za nim, Leonardo da Vinci opisał te zdolności w 1584 roku, który poświęcił kilka swoich pism osobliwościom percepcji wizualnej. Teorię percepcji stereoskopowej przedstawił w formie naukowej niemiecki optyk i geometr Johannes Kepler w pracy Dioptrics (1611). Dwa lata później jezuita Francois d'Aguillion po raz pierwszy użył terminu „stereoskopia”.

Około 1600 roku włoski artysta Giovanni Battista della Porta namalował pierwszy obraz stereo. Na początku XVII wieku jego doświadczenie powtórzył Jacopo Chimenti da Empoli, który zastosował technikę sparowanych obrazów. Półtora wieku później Francuz Bois-Clair (G. A. Bois-Clair) stworzył trójwymiarowe obrazy metodą rastrową. Rosyjski pisarz Lew Tołstoj zdołał spróbować swoich sił w rysunkach stereoskopowych. W XX wieku Hiszpan Salvador Dali malował trójwymiarowe obrazy metodą igłową, zaproponowaną przez wynalazcę trójwymiarowego kina, rosyjskiego emigranta Aleksiejewa. Oglądanie obrazów uzyskanych metodą rastrową i igłową nie wymagało żadnych specjalnych urządzeń.

Odkrycie fotografii stereoskopowej wiąże się z nazwiskiem Charlesa Wheatstone'a, profesora King's College London. W 1833 r. Wheatstone stworzył stereoskop lustrzany - urządzenie, które pozwala zobaczyć trójwymiarowy obraz za pomocą pary oryginalnych zdjęć z przesunięciem. Początkowo naukowiec wykorzystywał swoje rysunki jako obiekty. Zgodnie z eksperymentami powstała baza naukowa. W 1838 roku Wheatstone wygłosił historyczny wykład na temat obrazowania wolumetrycznego w Royal Society w Londynie. Raport nosił tytuł „O niektórych niezwykłych i dotychczas nieobserwowanych zjawiskach widzenia obuocznego”.

Dlaczego Wheatstone używał rysunków w swoim stereoskopie zamiast obrazów fotograficznych? Odpowiedź jest prosta: fotografia została wynaleziona przez Francuza Daguerre'a zaledwie sześć lat po odkryciu Wheatstone'a, w 1839 roku. Pierwsze zdjęcia wykonane metodą stereoskopową Wheatstone zaprezentował publiczności dopiero w 1851 roku na Wystawie Światowej w Londynie.

Pierwszy aparat z dwoma obiektywami przeznaczony do tworzenia stereopar został stworzony w 1849 roku przez szkockiego naukowca Davida Brewstera. Brewster jest także wynalazcą prostego stereoskopu bez luster. W 1855 roku Francuz Bernard tworzy pierwszą przystawkę refleksyjną do zwykłych aparatów jednoobiektywowych, która umożliwia fotografowanie par stereo. Nieco później Anglik Barun ulepszył ten projekt.

Jednym z pierwszych, który docenił potencjał fotografii 3D był angielski reporter Roger Fenton, który w latach 60. podróżował po Rosji i jest autorem serii fotografii poświęconych wojnie rosyjsko-tureckiej. W tych samych latach fotografią trójwymiarową zainteresował się słynny francuski fotograf Antoine Claude, który w 1851 roku otworzył londyńską Świątynię Fotografii. Według Claude'a stereoskop w taniej i kompaktowej formie przedstawia model wszystkiego, co istnieje w różnych częściach globu. Co ciekawe, to właśnie Claude w 1853 roku opatentował metodę uzyskiwania zdjęć stereoskopowych.

W 1858 roku Francuz Joseph d'Almeida odkrył anaglifową metodę tworzenia obrazów trójwymiarowych, która umożliwiała oglądanie obrazów trójwymiarowych za pomocą okularów z czerwonymi i zielonymi soczewkami. Tą metodą powstały książki, pocztówki, komiksy, mapy. W latach dwudziestych pojawiły się pierwsze filmy anaglifowe, które nazwano plastogramami.

Na początku XX wieku francuski fizyk Jonas Lippmann odkrył metodę tworzenia obrazów, która nie wymagała specjalnych urządzeń do oglądania. Obrazy muszą mieć specjalną powierzchnię opartą na siatce soczewkowej (rastrowej). Powierzchnia składa się z mikrosoczewek, pod którymi znajdują się fragmenty obrazu dla prawego i lewego oka. Patrząc na obraz pod pewnym kątem, można zobaczyć trójwymiarowy obraz. Fotograf Maurice Bonnet po raz pierwszy zastosował metodę rastrową w latach 30. XX wieku do tworzenia trójwymiarowych portretów.

Obecnie metoda tworzenia obrazów rastrowych polega na przygotowaniu na komputerze podłoża papierowego, które następnie jest drukowane. konwencjonalnymi środkami i jest dostarczany z plastikowym ekranem z rastrem soczewek. Metodę tę stosuje się przy tworzeniu kalendarzy kieszonkowych ze zdjęciami trójwymiarowymi lub ze zmiennym obrazem (efekt vario).

Fotografia stereofoniczna pojawiła się niemal równocześnie z fotografią konwencjonalną. Jednak zajęło mu prawie sto lat, aby zdobyć masową popularność. Na początku XX wieku fotografia stereofoniczna była postrzegana jako rozrywka masowa, a nie forma sztuki. Popularne były zabawy oparte na efekcie stereoskopowym. Powszechne stały się pudła z obrazami stereograficznymi, które przedstawiały widoki odległych krain wykonane przez podróżników, wiejskie szkice i nagie modelki.

W pierwszej połowie XX wieku zainteresowanie fotografią stereoskopową było bardzo duże. Pierwsze aparaty firmy Franke & Heideke zostały zaprojektowane specjalnie z myślą o fotografii stereoskopowej: Heidoskop (1920), który nagrywał na taśmie filmowej, oraz Rolleidoskop (1922), który wykorzystywał film rolkowy (format stereofoniczny 6 x 13 cm). Wkrótce w sprzedaży Stereoflektoscop Voigtlandera (format 6 x 13 cm) i Verascope Juliusa Richarda (format 45 x 107 cm, film typ 127).

W 1939 roku Amerykanin William Gruber założył firmę View-Master, która rok później wyprodukowała wąskofilmową kamerę stereo. View-Master opracował wiele innowacyjnych produktów do robienia i oglądania zdjęć i filmów 3D.

Pojawienie się bardzo szczegółowego, kolorowego filmu przezroczy Kodachrome pod koniec lat 30., a także rosnąca popularność kompaktowych aparatów na wąską kliszę, przyczyniły się do pojawienia się w latach 40. i 50. dużej liczby aparatów stereo z formatem klatki 24 x 23 mm (Edixa, Iloca, Kodak Stereo, Stereo-Realist) i 24 x 29 mm (Belplasca, Verascope F40). Niemieckie firmy Zeiss (Contax) i Leica oferują adaptery lusterek, które umożliwiają wykonywanie trójwymiarowych zdjęć na konwencjonalnych aparatach dalmierzowych. Należy pamiętać, że konstrukcja z trzecią soczewką celowniczą lub dalmierzem nie przeszła fundamentalnych zmian do dziś.

W latach 50. i 60. nastąpił gwałtowny wzrost zainteresowania fotografią stereoskopową. Produkowane są specjalne kamery i przystawki stereo, stereoskopy do oglądania obrazów. Sprzedawane są pamiątkowe zestawy składające się z par slajdów przedstawiających światowe atrakcje. Kamery stereo były używane do fotografowania powierzchni Księżyca, Marsa i Słońca w amerykańskich programach kosmicznych.

W przyszłości Fotografia 3D z pewnością przyciągnie znacznie więcej uwagi niż obecnie. Oczywiście zależy to od bazy technicznej, która jest stale ulepszana. Do tej pory dostępne są dwa proste sposoby tworzenie fotografii 3D.

Fotograficzne techniki oddania głębi przestrzeni na zdjęciu

Kontrola głębi pola

Niemniej jednak nasze soczewki mają jedną właściwość podobną do urządzenia widzenia. To jest głębia ostrości - głębia ostro przedstawionej przestrzeni. Czy uważasz, że tak nie jest, ponieważ w zasadzie wszystko wokół nas jest ostre? Przyłóż palec do nosa i skup się na nim. Tło będzie rozmyte. Używając małej głębi ostrości, podświetlamy główny przedmiot strzelanie, skupiając się na nim. Jednocześnie drugoplanowe postaci i tło są rozmyte, naśladując nasz mechanizm widzenia.
Oczywiście ta metoda nie jest stosowana w fotografii krajobrazowej, gdzie wszystkie plany muszą być w polu ostrości.

Jak uzyskać małą głębię ostrości i piękny bokeh:

• Im bardziej otwarte, tym bardziej rozmyte.
• Używaj szybkich obiektywów. Na przykład najczęściej fotografuję przy wartościach przysłony w zakresie 1,8-2,2;
• Im dłuższa ogniskowa, tym większe rozmycie, im piękniejszy bokeh, tym bardziej plastyczny obraz;
• Im bliżej modela (większy portret), tym większe rozmycie;
• Aparat z pełną matrycą daje więcej rozmycia niż kadr;
• Aby mieć coś do rozmycia, nie trzeba umieszczać modelu blisko tła (przy ścianie, płocie, drzewie). Zawsze lepiej jest rozłożyć je na plany z różnymi strefami ostrości. Ta wskazówka dotyczy również fotografii studyjnej.

Bardzo często w studiu z jasnymi ścianami w tle i dużą ilością rekwizytów trudno jest odróżnić modela. I warto odsunąć go od tła i fotografować z otwartą przysłoną - a zdjęcia wyglądają znacznie bardziej umiejętnie, z naciskiem na najważniejsze. Musisz też umieć pracować z wnętrzem!

Podział całej sceny na pierwszy plan i tło

Z pewnością każdy, kto ma choć mały pomysł na kompozycję, wie, że na zdjęciu należy spróbować użyć kilku ujęć. Fotografując krajobrazy, wszyscy o tym pamiętają, ale robiąc portrety, często o tym zapominają. Ale nikt nie odwołał efektu planowania jako sposobu na przekazanie głębi.

Tło - tło. Trzeba go tak dobrać, żeby nic nie odstało jak z makiety, jest pięknie rozmyte w bokeh (oczywiście, jeśli to nie jest pejzaż). Skorzystaj z zasad perspektywy liniowej, lotniczej i kolorowej (więcej poniżej). Plan środkowy to nasz model, główny bohater zdjęć. Fajnie byłoby umieścić coś innego w tej samej płaszczyźnie co model, który będzie w strefie ostrości (krzak, gałązki z liśćmi lub kwiaty na drzewie). Da to dodatkowe poczucie głębi i planowania.

Pierwszy plan – o tym często się zapomina w portretach. Pomaga jeszcze lepiej przekazać głębię. Z pierwszego planu możesz stworzyć rodzaj ramy, kadrowanie fabuły to skuteczny sposób na zbudowanie kompozycji. Ponadto w ten sposób przekazywane jest uczucie podglądania, gdy chcesz przekazać łatwość i naturalność sceny.
Jako pierwszy plan możesz użyć gałęzi krzewów, kwiatów, niskich gałęzi drzew. Jeśli nikogo nie ma w pobliżu, poproś asystenta, aby przytrzymał przygotowane gałęzie przed kamerą. W pracowni można użyć odpowiednich rekwizytów, kwiatów, wyjrzeć zza uchylonych drzwi.

W bokeh pierwszy plan może też być po prostu rozmazaną trawą: wystarczy obniżyć punkt fotografowania i strzelać siedząc lub leżąc. Jeśli do strzelania wykorzystywane są obiekty latające (płatki kwiatów, jesienne liście, pióra, kartki papieru, konfetti itp.), poproś asystenta o rozrzucenie ich w różnych płaszczyznach od modela tak, aby były zarówno w strefie ostrości, jak i nieostre z przodu i z powrotem plany. Takie detale skutecznie „wprowadzają” widza w obraz, gdy zdają się wylatywać prawdziwe życie w fotografię.
Zdarza się, że nie da się postawić czegoś na pierwszy plan od razu podczas fotografowania (np. nie mieści się w kadrze). Następnie możesz osobno sfotografować odpowiednią gałąź, a następnie dodać ją za pomocą Photoshopa lub użyć tego samego programu do stworzenia pierwszego planu z pustych miejsc na przezroczystym tle znalezionym w Internecie. Nie zapomnij rozmyć ich w różnym stopniu w różnych płaszczyznach.

W fotografii krajobrazowej często używa się obiektywu szerokokątnego, aby skutecznie uchwycić pierwszy plan. Obiekty znajdujące się z przodu (kamienie, kłody, most itp.) zdają się wciągać nas w obraz. Zniekształcenie geometryczne szerokiego kąta w tym przypadku jest tylko pod ręką. Tę samą technikę można zastosować w portretach, wzmacniając pierwszy plan i efekt „przyciągania”.

Perspektywa liniowa

To naturalna zmiana skali obrazu różnych obiektów znajdujących się na płaszczyźnie. Im bliżej aparatu znajduje się obiekt, tym jest większy.

Pierwszą oznaką perspektywy liniowej jest zmniejszenie skali oddalających się obiektów, drugą jest chęć zbiegania się obiektów równoległych w jednym punkcie na linii horyzontu.
Co zrobić, aby przekazać tę najbardziej liniową perspektywę w kadrze:

• wybierz dobrze tło. Droga biegnąca w dal (prosta lub kręta), droga, tory kolejowe, rząd domów, długi korytarz, filary czy kolumny - wszystko to pomaga w oddaniu perspektywy i stworzeniu efektu obecności widza w kadrze;
• spróbuj umieścić model i zbieżność linii perspektywicznych w punktach mocy, ale nie w tym samym;
  nie układaj linii tak, aby wybijały oko z ramy. Spojrzenie powinno podążać wewnątrz ramy i wędrować wokół niej;
• czasami można użyć obiektywu szerokokątnego, zbliżając się do modelu. Sprzyja przekazywaniu perspektywy, ponieważ w życiu patrzymy również na świat z szerokiego kąta. W takim przypadku umieść model pośrodku, ponieważ zniekształcenia geometryczne narastają w kierunku krawędzi ramy.

  perspektywa tonalna

  Jest to zjawisko fizyczne, którego istotą jest to, że światło przechodzące przez przezroczysty ośrodek - powietrze jest załamywane, rozpraszane i odbijane. W zależności od stanu atmosfery, jej zanieczyszczenia i wilgotności światło jest w mniejszym lub większym stopniu rozpraszane w warstwie powietrza. Następnie widzimy zamglenie powietrza (podświetlone odległości). Teraz rozumiesz, dlaczego takie pejzaże lotnicze powstają wczesnym rankiem lub we mgle, gdy powietrze jest czyste i wilgotne?
  Aby oddać perspektywę z lotu ptaka, pamiętaj, że im dalej obiekt:

• mniej nasycone tony;
• mniej wyraźne kontury strzelających obiektów (zamglenie);
• bardziej miękki kontrast;
• lżejsze szczegóły.

Jeśli masz szczęście i fotografowałeś wcześnie rano o świcie, być może aparat przekaże wszystkie te niuanse. W przeciwnym razie można to po prostu wziąć pod uwagę podczas przetwarzania:

• zmniejszyć nasycenie tła;
• podnieść ostrość i wyrazistość na modelu (i pierwszym planie w krajobrazie);
• podnieść kontrast pobliskich obiektów, pozostawiając tło bez kontrastu;
• dodaj jasne plamy do tła lub pomaluj mgłę, zamglenie (za pomocą białego pędzla o niskiej przezroczystości w trybie mieszania „Ekran”);
• przyciemnij pierwszy plan, zrób winietę.

Kolor

Kolor i objętość są również ściśle powiązane. Wybitne (ciepłe) kolory są postrzegane bliżej, cofane (zimne) kolory są postrzegane dalej niż ich obecna pozycja. Zjawisko to nazywa się stereoskopią chromatyczną. Artyści z powodzeniem wykorzystują ten efekt do oddania form trójwymiarowych. Jego skuteczność została sprawdzona w praktyce malarskiej oraz podczas pracy z wnętrzem i garderobą. Cofające się i wystające kolory mogą wizualnie zniekształcić trójwymiarową przestrzeń lub sprawić, że płaszczyzna będzie obszerna, wytłoczona.
Ciepłe i zimne kolory umieszczone obok siebie pomagają sobie nawzajem brzmieć jaśniej i głośniej. Ciepło staje się jeszcze cieplejsze, a zimno jeszcze zimniejsze.

Korzystając z kontrastu ciepła i zimna, możesz podkreślić główną rzecz na zdjęciu. Na właściwości przestrzenne wpływa również różnica w jasności i kontrast plam barwnych obiektu. Przy wysokim kontraście, mniejsza plama koloru staje się chwytliwa i wyróżnia się jako rysunek, podczas gdy większa jest postrzegana jako tło. Wpadające w ucho i kontrastujące kolory wystają i wystają. Przy niskim i średnim kontraście usuwane są szare kolory.

Jak wykorzystać odwzorowanie kolorów, aby wzmocnić efekt objętości na zdjęciu:

przemyśl dokładnie pod względem koloru do wyboru modelki (kolor włosów), tła, ubrania, elementów wyposażenia wnętrz i rekwizytów;

Podczas robienia zdjęć możesz używać źródeł światła o różnych temperaturach. W studiu może to być zimne światło z okna połączone ze stałym ciepłym światłem sztucznym, odpowiednie są również stałe źródła o różnych temperaturach barwowych. We wnętrzu można łączyć naturalne światło z okna lub odbite światło lampy błyskowej w połączeniu z ciepłym światłem lamp, świec, girland w tle lub na pierwszym planie;

stonuj zdjęcie w obróbce końcowej. Istnieje wiele opcji: od oddzielnego tonowania (split-toning) świateł i cieni na ciepłe lub zimne w trybie „półautomatycznym” za pomocą funkcji Photoshopa po kolorowanie żądanych obiektów za pomocą pędzla (w trybie „Miękkie światło”);

zwróć uwagę nie tylko na harmonijną kolorystykę, ale także na ilość każdego koloru na zdjęciu. Zaznacz kolorem główne obiekty i szczegóły, na których chcesz się skupić;

pracuj poprawnie z nasyceniem: nasycone i czyste kolory są postrzegane bliżej, a mniej nasycone kolory są postrzegane dalej.

Najlepiej byłoby, gdyby zdjęcie wykorzystywało kilka z powyższych technik. Wtedy Twoje zdjęcia ożyją i zagrają, jak w trójwymiarowej rzeczywistości.

Wydrukowany obraz lub przeglądanie go na ekranie komputera to płaski, dwuwymiarowy obraz, a świat jest trójwymiarowy, a problem przenoszenia objętości trójwymiarowego świata na jednowymiarową płaszczyznę niepokoił fotografów od ponad 100 lat, a artyści rozwiązują ten problem od setek lat. Ale artyści mogą dodawać do swoich dzieł, co chcą, ale my, fotografowie, używamy tylko tego, co widzimy. Jednak my i artyści mamy ten sam zestaw „narzędzi”: perspektywę liniową, perspektywę tonalną i skalową, a także obecność rozmycia obrazu, czyli głębię ostrości.

Tłumaczenie z po angielsku robienie zdjęć wygląda jak „zrobić zdjęcie”, co dosłownie oznacza „zrobić zdjęcie”, nie zrobić tego, ale zrobić! To bardzo subtelne. Bo my, fotografowie, bierzemy to, co widzimy i odciskamy to na naszej kliszy lub matrycy. A jak to robimy, jak budujemy klatkę, w której tworzymy strefę rozmycia, to od tych decyzji zależy wynik, z którym się skończymy. Przyjrzyjmy się każdemu rodzajowi perspektywy i zobaczmy, jak wpływa to na ujęcie.

Powietrze nigdy nie jest przezroczyste, ponieważ składa się z cząsteczek o różnej naturze, a cząsteczki są również obiektami o własnej gęstości i wadze. Perspektywa tonalna zależy od wilgotności, zapylenia powietrza i przejawia się w różny sposób warunki pogodowe różnie.

Najbardziej uderzające przejawy perspektywy tonalnej można zaobserwować we mgle, w wietrznej i zakurzonej pogodzie na pustyni lub stepie, o świcie nad wodą. A wszystkie te zjawiska prowadzą do tego, że im dalej obiekt, tym mniej wyraźne i wyraźne jego kontury, tym mniej nasycony, wydaje się jaśniejszy i mniej kontrastowy.

Na poniższym zdjęciu widzimy perspektywę tonalną w najjaśniejszym momencie, w porannej mgle. Tło obrazu stało się jaśniejsze, kolory i obiekty na nim są mniej nasycone, kontury są prawie rozmyte, kontrast w tle jest prawie zerowy:

Skala perspektywy

Perspektywa wielkoskalowa przejawia się w redukcji obiektów tego samego typu: im dalej obiekt, tym jest mniejszy.

Na zdjęciu wyschniętego brzegu rzeki widzimy dwa rodzaje perspektywy: liniową i skalową. Zmieniająca się skala wysuszonych fragmentów wybrzeża nadaje objętości obrazowi, zbliżając go do trójwymiarowości. Nie bez powodu pejzaże fotografuje się obiektywami szerokokątnymi (ogniskowa 17-28 mm): zniekształcając pierwszy plan, ten typ obiektywu sprawia wrażenie wypukłego, obiektywy te dużo lepiej rysują perspektywę i skalę obiektów niż obiektywy długoogniskowe, które wydają się „zawijać” obraz, spłaszczając pierwszy plan (ze względu na wąski kąt widzenia).

Należy również zauważyć, że obiektywy szerokokątne, ze względu na ich szeroki kąt widzenia (około 70 stopni), dają ostrość w całym obrazie przy mniejszej wartości przysłony, co jest przydatne w warunkach słabego oświetlenia, ale o ostrości później.

W martwej naturze możesz również zastosować ten rodzaj perspektywy, organizując rytm oddalających się obiektów tego samego typu. Na poniższym obrazku widzimy dwa rodzaje perspektywy: liniową i skalową, a szpula nici na pierwszym planie potęguje wrażenie objętości, podobnie jak mały DOF (głębia ostrości):

Perspektywa liniowa wyraża się liniami, które mają tendencję do zbiegania się w jednym punkcie na horyzoncie lub w nieskończoności. Droga ciągnąca się w dal, most, linie balustrad, krawężniki, domy, przewody elektryczne…. wszystko to może służyć jako podstawa perspektywy liniowej. Perspektywa liniowa bardzo często pojawia się w krajobrazach, gdzie jest wystarczająco dużo podstaw, aby stworzyć perspektywę liniową.

Ale co z np. makro fabułą lub martwą naturą?

Na powyższym ujęciu widzimy liniową perspektywę, jaką tworzy liść rośliny, a rozmycie dodaje głębi, objętości obrazowi. Kropla jest głównym obiektem, ponieważ jest podkreślona ostrością i znajduje się w punkcie uwagi widza (na przecięciu linii dzielących kadr na trzy równe części).

IPIG

Rozmycie tła lub części obrazu to również narzędzie, które wpływa na głośność kadru, a przysłona steruje tym: im mniejsza jest jej wartość, tym bardziej rozmyta jest ta część obrazu, która jest bliżej i/lub dalej niż będzie punkt ostrości (punkt ostrości).

W różnych artykułach jest wiele porad dotyczących matematycznego obliczania głębi ostrości, wolę podejście niematematyczne, ponieważ naszym najważniejszym narzędziem są oczy. Głębia ostrości to odległość między najbliższymi i najdalszymi obiektami, które będą ostre przy danej aperturze.

W fotografii przyjmuje się oznaczenie DOF (głębia ostrości), które zależy od:

1. odległość od obiektu (im większa, tym większa głębia ostrości i odwrotnie);
2. na wartość przysłony (im mniejsza, tym mniejsza głębia ostrości i na odwrót);
3. od ogniskowej obiektywu: im mniejsza, tym większa głębia ostrości (przy tej samej odległości od obiektu).
4. od wielkości liniowej matrycy (a nie liczby megapikseli): im mniejszy rozmiar matrycy, tym większa głębia ostrości (można to wziąć pod uwagę przy fotografowaniu makro, jeśli potrzebna jest większa głębia ostrości) .

Powyższe zdjęcie (z kroplą na liściach rośliny) zostało wykonane z następującymi danymi:

- przysłona = 8,0 ( Aparat Nikon D300, obiektyw Nikkor 105/2,8);
— ogniskowa = 105 mm;

DOF w tym przypadku = 5-10mm. Odległość od obiektywu do obiektu wynosiła około 30-40cm.
Podczas fotografowania większego obiektu z tą samą przysłoną i tą samą ogniskową z odległości 20 metrów, głębia ostrości może wynosić 5 metrów.
I przy tej samej odległości (20 metrów), przy aperturze 15,0 i ogniskowej = 20mm, głębia ostrości będzie na całym kadrze, zaczynając od 3 m od fotografa po sam horyzont. Aby wreszcie zrozumieć, co jest czym, zajrzyjmy do wnętrza aparatu i zrozummy, czym steruje przysłona.

Przysłona to chowane „płatki” wewnątrz obiektywu, które regulują średnicę otworu, przez który światło przechodzi do aparatu. Im węższy otwór, tym ostrzejszy obraz. Wartość przysłony to wielkość, o jaką wystają jej płatki.

Przy aperturze 5,6 płatki są dość mocno odsłonięte, a otwór jest duży, a zatem głębia ostrości będzie mała, część obrazu będzie rozmazana.

Przy przesłonie 20,0 płatki są już wystarczająco odsłonięte, a przesłona jest mała, a zatem ostrość będzie znacząca podczas fotografowania krajobrazu obiektyw szerokokątny będzie w całym kadrze, jeśli kadr jest wykonany w długim ujęciu. Nawet wiązki latarek są zbierane „w gwiazdach” przy tej wartości przysłony.

Jeśli masz lustrzanka(nie ma znaczenia cyfrowa czy filmowa) czy zaawansowana mydelniczka (aparat ze stałym obiektywem), to po zmianie ustawień przysłony zmiany ostrości widać od razu w okularze lub na ekranie aparatu. Właśnie tym informacjom należy zaufać, sprawdzając wynik na ekranie aparatu po naciśnięciu spustu migawki. Rozmycie pozwala nie tylko kontrolować głośność obrazu, ale także uwagę widza, co jest również ważnym czynnikiem w konstrukcji kompozycji:

Rozmyte tło pozwoliło uwydatnić model, ujednolicić tło i nadać obrazowi trójwymiarowość.

Zobaczmy, jak zostało zrobione powyższe zdjęcie:

- przysłona = 4,5;
— ogniskowa obiektywu = 150mm;
- odległość od modelki kilka metrów, głębia ostrości 15-25 cm, tło bardzo rozmyte (był to brukowiec).

Zrozumieliśmy więc, jak kontrolować głośność ramki, jak zbudować ramę w taki sposób, aby obraz nie wyglądał płasko. Ale są wyjątki od każdej reguły, a Ty, jako osoba kreatywna, masz prawo wybrać, czy potrzebujesz głośności na zdjęciu, czy nie. Oto przykład lakonicznej ramki, w której głośność byłaby fatalna, „zabiłaby” ideę obrazu:

Perspektywa linearna wyraża się tu jedynie „podpowiedzią” w postaci lekkich fal na wodzie. I dopiero fotograf decyduje, jakich narzędzi użyć do zbudowania swojej oprawy i jak wpłyną one na ideę obrazu i to jego decyzje określane są mianem przeciętności, talentu, gustu artystycznego lub złego gustu, geniuszu czy stylu.